În zilele noastre mulți artiști publică statement-uri pentru operele lor. Această practică nu este nouă. Fondatorii curentelor majore au scris adesea manifeste - declarații colective despre valorile și scopurile mișcării artistice. Au avut idei care sunt și astăzi relevante.
Am analizat câteva manifeste celebre pentru a înțelege cum să modelăm procesul de creație, să ne raportăm la istoria artei, unde să cauți inspirație și ce să faci odată ce o găsești.
"Dada Manifesto 1918"
Dadaismul este o mișcare de avangardă anti-război care a apărut după Primul Război Mondial. După cum ei înșiși s-au descris, dadaiștii sunt reprezentanți ai diferitelor națiuni care s-au adunat într-o țară neutră, Elveția. Numele principale ale dadaismului sunt poeții Richard Hülsenbeck, Hugo Ball, Tristan Tzara, artiștii Hans Arp, Max Ernst, Raoul Haussmann, Hanna Hech, Marcel Janko, fotograful Man Ray.
Dadaiștii au creat teatru, colaje, pictură abstractă și poezie compusă din neologisme. Ei apreciau spontaneitatea, care, în opinia lor, ar trebui să elibereze creativitatea de raționalism.
Unul dintre primele și principalele manifeste dadaiste a fost scris de Tristan Tzara în decembrie 1918. Acolo apare conceptul de „Dada” ca un nou mod de a gândi. „Cuvântul „Dada” simbolizează cea mai primitivă atitudine față de realitatea înconjurătoare”. În manifest, dadaiștii se despart de curentele anterioare ale avangardei — expresionism și simbolism — și propun noi forme de vers: brut, simultan și static.
Dadaiștii au influențat multe aspecte ale lumii așa cum o știm azi. După ei, absurdismul și apelul la naivitate, nealterată de conjecturi și mecanisme de gândire, erau de dorit. Suprarealismul și postmodernismul au izvorât din aceste idei, iar dramaturgii „teatrului absurdului” precum Samuel Beckett și Eugène Ionesco au împrumutat multe aspecte din cele două curente..
Esența Manifestului
#1.Ai încredere în șansă. Potrivit manifestului, iraționalul este mai adevărat decât raționalul: raționalismul duce la alienare, provoacă războaie și inegalitate în societate. Spontaneitatea creează o legătură între oameni și fenomene.
#2. Apel la cei naivi. Cuvântul „dada”, așa cum a susținut Tristan Tzara, este ca bolboroseala unui copil și poate însemna totul și nimic în același timp. În căutarea adevărului, dadaiștii s-au îndreptat către copilăresc, primitiv și abstract.
#3. Oferă supărării tale o scăpare în creativitate. Dadaiștii au văzut puterea creatoare în proteste și nemulțumiri și au susținut că simplitatea nu creează nimic nou, însă furia te face să te miști.
„Manifestul Alb” - Lucho Fontana
Lucho Fontana este un artist italian de avangardă. A contestat arta conservatoare și s-a opus școlilor academice. A început prin a tăia pânzele pe care le picta pentru a le da o nouă formă și a crea "spațiu" în arta sa. Fontana credea că prin tăieturile din picturi, el crea o legătură dintre artă și cosmos.
Manifestul Alb, pe care Fontana l-a publicat în 1946, afirmă că arta este un proces analitic fundamental pentru specia umană. Istoria artei mondiale este descrisă ca un proces de acumulare a cunoștințelor și de căutare a adevărului. În secolul XX, știința a acaparat lumea, iar ea nu se baza pe un ideal abstract, ci pe experiență, așa că și arta trebuia să se schimbe: să devină concretă, dinamică și să integreze cunoștințele științifice.
Fontana pledează pentru preluarea formelor din natură și pentru sinteză: „Ne imaginăm sinteza ca un ansamblu de elemente fizice: culoare, sunet, mișcare, timp, spațiu, unite într-o formă fizică și psihică”.
Coperta originală a „Manifestului Alb”
Esența Manifestului
#1. Estompează granițele dintre genuri. Formele de artă și mediile diferite nu mai sunt izolate: pânzele pot fi tridimensionale, pictura este completată de sunet, iar spectacolele au loc la expoziții.
#2. Ai încredere în intuiția ta. Una dintre principalele descoperiri științifice ale secolului al XX-lea este subconștientul. Ceea ce ne creează conștiința nu dezvăluie întregul nostru potențial creativ - deci atrage inconștientul.
#3. Urmărește realizările științifice. Pentru a ajunge la un public care a crescut într-o epocă a științei, arta trebuie să fie mai degrabă concretă decât abstractă, să integreze experiența pe care o primim prin simțuri și să aplice cunoștințele științifice.
„Societatea spectacolului” – Guy Debord
„Societatea Spectacolului” este un tratat politic din 1967 care conturează ideile principale din Situationist International (SI), o mișcare de stânga asociată cu protestele studențești din anii 1960. Situaționiștii au criticat capitalismul și au protestat împotriva culturii consumatorului. Autorul manifestului este liderul SI, artistul și regizorul Guy Debord.
În „Societatea Spectacolului” există doi termeni importanți - „spectacol” și „situație”, cărora li s-au dat noi semnificații:
„Spectacol” - este înstrăinarea de propriile noastre vieți: alegeri, publicitate, artă comercială și tot conținutul pe care îl consumăm.
„Situație” - este o modalitate de a recâștiga puterea asupra propriei vieți, de a înțelege dorințele (în general, tot ceea ce am numi astăzi conștientizare).
După ce cartea a fost publicată, Guy Debord a realizat filmul „Societatea Spectacolului”: fotografii cu clădiri noi, munca la fabrici, ședințe foto la modă și proiecții de filme sunt însoțite de textul că toate acestea sunt o iluzie, iar viața reală este ascunsă în spatele acestei fațade.
În stânga: coperta primei ediții a „Societatea Spectacolului”, în dreapta: un cadru din filmul „Societatea Spectacolului” de Guy Debord.
SI a influențat arta stradală, urbanismul, unele tendințe în punk - de exemplu, grupul Sex Pistols a fost fondat de situaționiștii Malcolm McLaren și Jeremy Reed.
Esența Manifestului
#1. Practică dérive. Acesta este numele comportamentului experimental în spațiul urban - din această idee au apărut parkour și arta stradală.
#2.Fii realist - cere imposibilul. Dacă te simți bine făcând ceea ce societatea așteaptă de la tine, nici schimbarea, nici descoperirea creativă nu se va întâmpla. Nu trebuie să îți fie teamă de disconfort.
#3.Recuperează-ți ideile, apropriază-ți spațiile. Consumul creează senzația că deții totul, dar în realitate este doar o imagine pe ecran. Batjocorind și ridiculizând această iluzie, recâștigăm controlul.
„Dogma 95” de Lars von Trier și Thomas Vinterberg
În 1995, Lars von Trier și Thomas Vinterberg au scris Dogma 95, un manifest despre cum să faci filme. Este un răspuns la producția de filme în masă (ca la Hollywood) și la filmele de autor (ca în Noul Val francez). Autorii se opun „filmelor individuale” și cultului regizorului.
"Dogma 95" susține că cinematografia nu este o iluzie și nu ar trebui să creeze iluzii în public. Manifestul precizează zece principii cărora cinematograful trebuie să se conformeze (iar regizorul trebuie să facă o promisiune că le va îndeplini). „Dogma” impune ca filmările să se facă la locație, nu într-un pavilion, recuzita să fie compusă din ceea ce este deja acolo, iar costumele să fie hainele în care au venit actorii. Împușcăturile și crimele (lucruri care nu se întâmplă de fapt în timpul filmărilor) sunt interzise în filme.
Peste 250 de filme au fost realizate după „Dogma”: „The Celebration” de Thomas Vinterberg, „The Idiots” de Lars von Trier, „Italian for Beginners” de Lone Scherfig, „Open Hearts” de Susanne Bier. Dacă filmul îndeplinea toate principiile, i se elibera un certificat cu semnăturile autorilor manifestului.
Certificat "Dogma 95" pentru filmul lui Susanne "Open Hearts"
Esența Manifestului
#1.Fii sincer. Autorii „Dogma” consideră că ambițiile personale ale artistului nu ar trebui să umbrească ideea lucrării - produsul ar trebui să fie valoros în sine, indiferent de numele autorului.
#2.Inspiră-te din realitate. Viața este mai interesantă decât fantezia, evenimentele reale sunt mai interesante decât orice putem inventa.
#3. Personajele și intriga sunt pe primul loc. Sunt mai captivante pentru oameni decât niște efecte speciale.
Manifestul “Viața unui artist” - Maryna Abramovich
Marina Abramovych este numită „bunica artei spectacolului”. Primele ei lucrări au apărut în anii '70, când spectacolele performative erau de neînțeles și șocau publicul, iar artiștii erau adesea persecutați pentru ele.
Creativitatea lui Abramovich adresează corpul uman, limitele sale și modalitățile de interacțiune umană. Cea mai cunoscută lucrare a ei este „Rhythm 0” (1974): artista a așezat 72 de obiecte pe o masă în fața ei și a permis publicului să-i manipuleze mișcările și să folosească aceste obiecte așa cum dorea. În această lucrare, ea a explorat agresivitatea celorlalți față de corpul pasiv.
În 2011, Marina Abramovych a lansat un manifest, în care spune că este imposibil să se separe viața de creativitate, deoarece artistul se dedică pe deplin procesului de creație. Textul este foarte scurt și se citește ca o poezie. Are mai multe secțiuni: de la regulile vieții unui artist la atitudini față de viața amoroasă, suferință, tăcere și moarte.
Esența Manifestului
#1. Creează-ți propriile personaje. Limbajul fiecărui artist este unic, deoarece lucrarea reflectă experiența individuală și mitologia pe care o creezi în jurul ei.
#2. Nu confunda depresia cu catharsis. Suferința este bună pentru un artist, te ajută să fii sincer. Dar suferința în mod constant este dăunătoare: „Un artist nu trebuie să fie deprimat. Depresia este o boală, trebuie tratată”.
#3. Fă-ți timp pentru a contempla. Este important ca un artist să fie singur și să observe lumea din jurul său, făcând abstracție de la ea. Urmărește „cascade, vulcani, râuri, stelele pe cerul nopții”.